Composición arquitectónica

Colocar un elemento a 70 cms o a 3 metros de otro es una decisión. Un programa arquitectónico puede decir que se requiere dicho elemento, pero es significativo ponerlo cerca o lejos. En un deslinde, por ejemplo, o al medio de un sitio. No es lo mismo.
Y, lo más interesante, es la distancia que significa un concepto. Y los milímetros de ajuste donde sigue siendo “ese” concepto. “Está al medio”, dice la gente. Lo corres un poco y sigue “estando al medio”. Pero lo corres solo un poco más y la gente dice “está hacia el norte”. Se cruzó un límite.
“Corrámoslo un poquito más, mientras parezca que está junto al deslinde”, puede sugerir alguien, en una reunión de proyecto. Se hace el movimiento, funciona. Nuevo movimiento, funciona. Y algo pasa, que se corre un poco más y es otra idea. ¿Cuáles son esos límites?
Lo que parece es que las ideas tienen “radios de flexibilidad”. Desde polos, o puntos irradiadores de “ideas fuerza”, como centros de gravedad.

En la primera imagen (arriba), elementos básicos de una estructura central (proyecto propio): marco metálico, viga reticulada, costanera, armando un total solidario. Segunda imagen: composición visual, con un punto y su posición dentro de un área. Ubicación céntrica versus descentrada, el cambio transforma el equilibrio y la tensión visual. A la vez, sugiere principios de la psicología de la Gestalt, como el contraste y la organización de elementos.
https://mytaleiteach.com/2012/11/15/pintura-la-composicion-y-el-equilibrio-1a-parte/
https://www.psicologia-online.com/que-es-la-ley-de-contraste-de-la-gestalt-y-ejemplos-6579.html
https://www.21-draw.com/es/composition-in-art/

La escuela de la Gestalt
La Gestalt aporta un interesante nexo de psicología y diseño gráfico. El término "Gestalt", acuñado a principios de la década de 1910, se podría traducir como "forma" o "configuración", y se centra en la idea de que el todo es diferente a la suma de sus partes. Una de sus bases es que el cerebro articula la información recibida por los sentidos en configuraciones significativas. Esto se refleja en principios de organización perceptual, como proximidad, cierre, continuidad, semejanza, figura-fondo, dirección común y simetría. La proximidad, por ejemplo, se refiere a que los objetos cercanos entre sí tienden a verse como grupo, mientras que el principio de cierre señala que la mente tiende a completar formas incompletas, creando una imagen entera. Abajo: el logo de la Bauhaus fue diseñado por Oskar Schlemmer, en 1922, y encarna la esencia de la Gestalt, generando un todo significante y no solo una adición de elementos. Ambas corrientes coexistieron en la República de Weimar, y compartieron profesores y principios teóricos, influyendo directamente en el diseño gráfico moderno.
https://es.wikipedia.org/wiki/Psicología_de_la_Gestalt

La lectura de los objetos circundantes también tiene que ver con la percepción óptica, más que con su propia geometría, algo que la Bauhaus comprendió desde sus fundamentos, aplicándolo a los elementos de sus afiches, en imágenes y textos. En el espaciado de las tipografías, por ejemplo, la separación no suele ser matemática, porque el ojo humano percibe las formas y los espacios de manera visual, no geométrica. Un mal espaciado puede estropear un diseño, mientras que un buen espaciado puede convertirlo en uno excelente.

El kerning, o interletraje (arriba), es la técnica de ajustar el espacio entre dos caracteres para que la distancia visual entre ellos sea equilibrada. Aplicada a la plástica, escultura o arquitectura, este ajuste tiene que ver con la percepción de lleno vacío, que busca un equilibrio visual no necesariamente geométrico, entre la entidad positiva y la negativa.
https://disseny.recursos.uoc.edu/recursos/tipo/wp-content/uploads/sites/18/2023/02/tipografia_esp.pdf

Composición
La traducción más exacta de Gestalt es forma, figura, o configuración, pero también se puede relacionar al concepto de composición. En este caso, es como un mapa implícito, que guía, crea equilibrio, y transmite mensajes.
En la Escuela de Arquitectura UC, buscando en mis recuerdos, no existía un ramo que se llamara “Composición”. Abordar ese tema era intuitivo y dentro del curso, fundamental y protagonista, de “Taller”. Hay escuelas donde sí forma parte de la malla, en los primeros años. Como los ramos complementarios son más asequibles, sirve para que el estudiante no dé “manotazos de ahogado”, “palos de ciego”, o esté desorientado. También para guiar, dotar de cierta ideología, en las escuelas que deciden incorporar una visión desde la dirección.
Es importante la composición. Todos recibimos elementos, pero qué hacemos con esos elementos. Qué es orden, qué es buena disposición.
Un ejercicio de composición, que suele realizarse pedagógicamente, es crear un concepto con elementos dados. Proponer una construcción. En la construcción, probablemente, las figuras básicas que se entregan se convertirán en base, cuerpo, remate. O en la noción de edificación que tiene la persona. Este ejercicio recuerda trabajos de taller, donde todos llegan con distintas ideas.

Un profesor nos decía que a veces le parecían más interesantes los trabajos que se hacen en primer año “que los proyectos que hacen en cuarto”. ¿Más simplicidad? ¿Nos falta composición?. No hay que olvidar tener claro, luego, el prototipo-idea-fuerza-partido gestor, en vez de enredarse en condiciones confusas. Lo cierto es que en algunos ejercicios puede manifestarse en forma dramática, y como descubrimiento, nociones de lleno vacío, de circulaciones, o de volumetría, las más requeridas por los que buscan intensidad. Ideas generatrices iniciales. Lo más esencial, lo más básico, llega con frescura, en esas propuestas de estudiantes.

Asimismo, pueden plantearse ejercicios de contexto, requiriendo generar emplazamientos, y su razón. O recorridos: nociones de inicio, tensión, destino. Recuerdo, por ejemplo, haber tenido que proponer caminos de elásticos, en una grilla de clavos sobre madera, en esos ejercicios. Algo similar a la foto inferior.

Y nuevamente, las respuestas de los estudiantes serán disímiles. Pudiendo formarse grupos de ideas. De mayor cierre, o enfatizando el espacio libre. El movimiento, o el remanso.
Composición así se refiere a una disposición de elementos significante. El autor los organiza cuidadosamente para crear una relación armoniosa, o dinámica. Los enfoques tradicionales a menudo siguen principios geométricos. Se genera un lenguaje, basado en el aprendizaje de una gramática, como la de la arquitectura clásica. Mientras que los movimientos contemporáneos experimentan nuevas disposiciones, rompiendo convenciones para seguir nuevas ideas. Y tienen su propio lenguaje.
Una composición así resulta de unir estas partes con sentido. Este concepto cambia según el campo en el que se use, como el arte, la música, la química o la escritura. Volviendo a la Gestalt, se trata de articular un significado coherente. Una imagen confusa, luego, solo será correcta al conocerse su significado, en el momento exacto en que parece ordenarse, como en el ejemplo de la imagen inferior.

Fotografía de Karl M. Dallenbach (arriba), que parece compuesta por manchas sin significado, o aquello parece, hasta que es revelado lo que es. Esto demuestra que la mente no recibe pasivamente, sino aporta sus propios elementos organizativos para generar la experiencia. De todas formas, si la imagen no se comprende, en el final del artículo se incorpora la misma foto con una marca visual.

Arquitectura: Forma, Espacio y Orden

“El diseño es, sobre todo, un acto volitivo, un empeño intencional”.
Francis Ching

Un libro conocido y recomendable sobre composición es “Arquitectura: Forma, Espacio y Orden”, de Francis Ching (o Frank Ching). Obra tipo manual, elemento típico de biblioteca de escuela de arquitectura, que podría emparentarse con el imprescindible “Neufert”. Salvador de estudiantes, en tiempo de entregas. Un clásico, orientador para el alumno no relacionado con el medio. Lo veo así casi como sentido social, para acercar al alumno no emparentado con el ambiente.
El impreso por Editorial Gustavo Gili, en color naranja, debe ser la publicación más difundida. También se puede encontrar digital en Scribd, en pdf, aunque de pago. En internet, a veces, aparecen descargas gratuitas que duran por un tiempo.

Ching es un excelente ilustrador, aparte de profesor y arquitecto. Considerado uno de los teóricos más influyentes en la actualidad, sus publicaciones proponen un vocabulario, y una pedagogía, donde el lenguaje y el dibujo acercan al lector a la arquitectura desde los elementos básicos, hasta los conceptos más complejos.
Su lenguaje es accesible y riguroso a la vez. En la imagen superior, la Villa Savoye, de Le Corbusier, bajo su desglose analítico, apoyado en líneas, planos, volúmenes, escalas y relaciones espaciales, gráfica donde reside buena parte de su valor pedagógico.
Al igual que Neufert, es posible recurrir a él ante consultas básicas. Para el alumno resulta amable, porque es como el profesor que hace esquemas en el pizarrón.

Es notable su uso de la perspectiva. Para explicar elementos verticales, que se emplean para definir volúmenes virtuales, en ciertas obras, ilustra como ejemplo las cuatro torres de los minaretes que delimitan la cúpula de Santa Sofía, en Constantinopla (Estambul, 532-537), graficando su campo espacial (pag. 10). La proporción de separación de los minaretes respecto del edificio, parece dibujada un poco estrecha, pero la perspectiva es muy gráfica, y por eso se recuerda, y el concepto se entiende.

https://libreriaelfarolito.mitiendanube.com/productos/arquitectura-forma-espacio-y-orden-francis-d-k-ching/
https://skfandra.wordpress.com/2015/10/07/libro-arquitectura-forma-y-espacio-y-orden-gg/
El Ayuntamiento de Säynätsalo (Säynätsalon Kunnantalo) es una de las obras cumbres de la arquitectura moderna, diseñada por Alvar Aalto. Construido entre 1950 y 1952, Ching lo cita para referir elementos lineales. Es interesante la forma de sombrear, a través de achurados.

Imagen superior: Busto de la Reina Nefertiti. Ching lo cita a propósito de las investigaciones de Alfred Yarbus, en el Instituto para los Problemas de Transmisión de Información de Moscú. El científico estudia el movimiento del ojo humano al mirar la figura, demostrando que la vista no recorre la imagen de manera uniforme. La mirada se concentra de forma masiva en los elementos más informativos y expresivos: los ojos, los labios y la nariz.

Composición arquitectónica: transformación sustractiva y aditiva
La composición arquitectónica tiene que ver con los puntos de fuga, tiene que ver con el equilibrio. Tiene que ver con los esfuerzos involucrados. Responde a la misma lógica de las artes, y de la manera más tangible, por su escala.

Ver los proyectos de esta forma hace volver sobre el partido generador, y los alcances de la idea. Dónde es fuerte, y hasta dónde llega. A todos nos pasa estirar demasiado una idea, hasta que se diluye. También hace regresar al lenguaje, a la necesidad de explicación, de propósito ojalá con pocas frases. Términos puntuales, para producir comunicación, y hablar el mismo idioma.

Arriba: esquemas de composición de proyectos propios. La casa de Parral (2024), y el actual Jardín Infantil (2026). Se destacan componentes de ritmo y modulación, en este caso regulares. Y el segundo caso incorporando piezas de adición y sustracción. Pero no necesariamente se trata de llegar a una simplicidad, sino a la generación. En mi proyecto de título, por ejemplo, buscaba formas articuladoras, y mi profesor guía me dijo en una corrección: “por qué no tomas un género, lo untas en engrudo y lo lanzas a un bastidor. En ese encuentro de fuerzas, hay una forma de orden”.
No se trata luego de hacer un círculo, o un cuadrado autoritario. Se trata de comprender las fuerzas de orden.

Los dos primeros años de taller de arquitectura nos enseñan así qué tan cerca está la arquitectura del arte. Después puede haber especialización, pero tenemos que pasar por Taller 1. No nos podemos resistir, es nuestro Test de Cooper. Admiro a los arquitectos teóricos, que escriben, pero simpatiza sobre todo imaginarlos apurados en una maqueta. Forma, composición, tensión, son conceptos de arte, y tal vez no reparamos en aquello. Es clave entenderlo. Volver a ese orden primario.
Qué es el análisis luego, sin el desafío de la creatividad. Sin la opinión positiva, la negativa y el juicio, sobre nosotros. ¿Lo logra o no lo logra?
El desafío donde vuelven a ser importantes las decisiones.

Estructuras: C1, C5a y C5b
El proyecto de Prebásica, presentado en posteos anteriores, se encuentra en fase de construcción. En su estado actual, se pueden apreciar sus componentes, pudiendo verse por dentro.
Visitándolo regularmente estas semanas, me ha gustado observar, por ejemplo, que se construyó bien la cercha diagonal de las esquinas, llamada “C5a” en el cálculo, que realicé personalmente, y uno de los temas de desarrollo en la revisión. "C5b", por otra parte, es la que se encontrará con el volumen de la lucarna. Buena factura, de las personas a cargo.

Arriba: Estructura principal y adosamiento liviano.

Arriba: cercha C1 y C5a.

El encuentro de techos

Encuentro de acero y sistema Metalcon: un buen caso para repasar uniones y refuerzos adecuados.

Patio central

Lucarna, resuelta como una especie de “slice form” (rebanadas). Espero en el próximo posteo la obra esté más acabada, en terminaciones.

Conclusiones
La palabra alemana "Gestalt", vinculada a "forma", manifiesta ese proceso por el que construimos marcos de percepción de la realidad: todas las personas interpretamos la realidad y tomamos decisiones en base a estas "formas" o "figuras" que vamos creando, sin darnos cuenta. La teoría de la Gestalt, luego, se centra en dar explicaciones acerca de la manera de percibirlas y decidir a partir de ellas.
Ambas escuelas, Bauhaus y Gestalt, de un tiempo progresista, pueden ilustrarnos en este tiempo, tan reaccionario. Que nos ha impuesto sus propias "figuras" de percepción, bloqueándonos caminos a seguir, y mostrando la situación presente como una fatalidad. En la actualidad, por ejemplo, no se está recogiendo nada de la gente popular. Tal vez es hora de celebrar aquel mundo, de volver a asirlo, como prioridad.
El establecimiento de un lenguaje, y libros-manuales, por otra parte, abordado en el presente texto, a propósito de Ching, pueden aportar una amabilidad con el alumno. Una pedagogía más formal, una preocupación. Personalmente soy formalista, más que de "prueba y error". Me atraen los manuales, y el concepto de normalización.
Sería aconsejable así para los estudiantes y arquitectos que se inician en este tiempo volver a fijarse en el prototipo, partir de la idea, y no quedar tan paralogizado por lo que nos indica el “genio del lugar” (genius loci). Volver a esos “dos primeros años de arquitectura”, y lo que nos indican esos ejercicios. Esa frescura.
He visto que se demuelen edificios interesantes, para construir otros, aún más novedosos, o torres, en el barrio alto de Santiago. Y vaya que serían aporte los primeros, en la periferia.
Ese concepto de "composición" subyacente, que siempre aparece en los requerimientos de arquitectura, por mecánicos o simples que parezcan. Tan como que no importa, pero en el fondo importa. Tal vez se debería racionalizar.
En vez de esa cosa “libertaria”, tan atolondrada. Si tenemos bases sólidas, es más sencillo ser libre. Pero no las tienen: ahí está el problema.
Al igual que el primer modernismo, buscar una base más racional que intuitiva. Algo que nos podría ayudar. El propósito de construir sociedad.

Arriba: como corolario, la misma fotografía de Karl M. Dallenbach, anteriormente mencionada, muestra un animal. Tan pronto se detecta, sin embargo, es difícil volver a la experiencia de una composición aleatoria. El momento "¡Ajá!" (así llamado), en el que se encuentra sentido, cambiando de interpretación, es determinante. La persona no puede dejar de construir la nueva imagen, lo que en estudios científicos, es una prueba de que el aprendizaje y las expectativas condicionan la realidad que se percibe. En resonancia magnética, por su parte, se ha visto que una vez reconocida la forma hay mayor actividad en el lóbulo temporal inferior del cerebro, el mismo que se activa durante el reconocimiento de objetos familiares. Si enfocamos un solo cuadrante, de todas formas, o damos vuelta la foto, se vuelve a producir la percepción de pura textura. Más información:
https://brill.com/view/journals/artp/4/1-2/article-p145_7.xml
https://pitxaunlio.blogspot.com/2019/03/la-vaca-de-karl-m-dallenbach.html
https://omnibusdubitandum.blog/2024/05/04/psicologia-y-arte-la-gestalt/

Naturaleza y arquitectura

Naturalidad, naturaleza, nacer. He pensado en estos tres conceptos. Y me ha gustado leer que están relacionados, etimológicamente. “Me nace hacer tal cosa”, dicen las personas al iniciar algo. Sin que las fuercen, por iniciativa propia. De hecho, “natus” significa nacido. Es “nato”, en español, vale decir significa que tiene predisposición connatural para algo: “es un líder nato”, por ejemplo. Interesante la raíz “na”, es como la raíz “ma”, en varios idiomas, que recuerda a madre, materia, o incluso medir.
En la ilustración (arriba): capilla de Nuestra Señora de Fátima (1958), Brasilia, Oscar Niemeyer.

Leí de alguien que Andrés Sabella escribía con gracia. Me pareció que se refería a lo natural que resultaba su expresión. A lo poco impuesto y fluido de su belleza.
Recordé, por contraparte, ese dibujo “recargado” que tienen algunos arquitectos, lleno de trabajo. ¿Bueno o malo? Por una parte, bueno, porque valoriza el oficio, sin embargo tiene mucho de imposición de voluntad, de “vencer” la naturaleza, en cierto sentido, de ganar con el esfuerzo. Hay artistas natos, y artistas de esfuerzo. Deportistas natos, y deportistas de esfuerzo.
Lo que pasa es que en arquitectura cuando aparece algo nuevo, cuando se mueve algo, es un solo golpe. Se nota un partido, se nota una decisión. Después, se desarrolla. Se sale del “afírmese, compadre”. Se elabora, completándose, corrigiéndose, generalmente en equipos de trabajo. Se desglosa, se diversifica.

Así hay arquitectos naturales, y otros que comunican tensión. Un trazo decidido, y suelto, u otro que parece apoyarse en líneas auxiliares, medidas, oficio. Naturalidad que también puede referirse al momento histórico: tiempos de expresión, y tiempos de guardar. Tiempos de explosión creativa, y tiempos más conservadores. Aquí es donde se puede hacer mención a lo natural que nos parece Oscar Niemeyer, dentro de una época de transformaciones, impulsado tanto por su talento como por la época histórica, que fomentaba novedad, desafíos como la ciudad de Brasilia. O los tropiezos, dentro de una carrera de grandes obras, que han tenido Nouvel, o Calatrava, en ciertos proyectos tomados por la crítica como fallidos, en un tiempo actual mucho más individualista. Un tiempo que indica, y juzga mucho más. Y la narración no es referida a un grupo o movimiento, sino que se fija más en individuos. En carreras personales.
Arriba: croquis de la capilla de Nuestra Señora de Fátima (1958), Brasilia, Oscar Niemeyer, diseñada como un compromiso del arquitecto con la primera dama, para curar a su hija que sufría de tuberculosis, y cuyas formas, curvas y triangulares, hacen referencia a un sombrero de monjas.

Fluidez: “a mano libera”
Niemeyer nos gusta, porque aporta una forma de naturalidad, dentro de otra naturalidad: el verde exuberante que rodea sus volúmenes.
Su línea geométrica pero suelta, puede ser lo que llaman "a mano libera" o a pulso. Hace que una forma pura parezca libre, siendo que está llena de relaciones, y proporciones.

Oscar Niemeyer nace en Río de Janeiro en 1907. Entra en la Escuela de Bellas Artes (Brasil), en 1929, donde se gradúa como ingeniero arquitecto en 1934. Como practicante, se incorpora al estudio del arquitecto Lucio Costa y Carlos Leão, que lo marcan en forma definitiva. Arriba: Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, Río de Janeiro, Brasil (1991-1996).
En 1945, se une al Partido Comunista de Brasil. Niemeyer era niño en el tiempo de la Revolución Rusa de 1917, y tras la Segunda Guerra Mundial se convierte en joven idealista, y comunista entusiasta, lo que lo impulsaría en medios progresistas, pero a la vez lo perjudicaría en el tiempo de la dictadura brasileña. Por otra parte, visita la URSS, entrando en contacto con líderes de izquierda, convirtiéndose en amigo personal de varios de ellos.
Su arquitectura es pionera en explorar el hormigón armado, en sus posibilidades constructivas y plásticas. "No me atraen ni el ángulo recto, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por el hombre”. Así, favorecía formas libres, como curvas, y sinuosidades, que encontraba en la topografía de su país, el curso de los ríos, las olas del mar y la naturaleza. “De curvas está hecho todo el universo, el universo curvo de Einstein", declaraba. Esta filosofía quedó registrada en sus memorias, y plasmada en sus obras icónicas.

Diseñado al regreso de su exilio, en los noventa, el museo se concibe como una figura única radial, orgánica (“se abre como una flor”) y carismática, suspendida, de 50 metros de diámetro, sustentada en un apoyo central cilíndrico, de 9 metros de diámetro.

El boceto original, del propio Niemeyer (abajo), incorpora dos esquemas menores en la base. El izquierdo ilustra el corte de la copa invertida, y el derecho detalla el recorrido circular en planta de la rampa de ingreso.

Liderazgo obrero
Actualmente nos encontramos ante un fuerte empaquetamiento y ataque directo al liderazgo obrero, popular. El posicionamiento de la clase media acomodada estos últimos años ha resultado escandaloso: ningún Neruda, ningún hijo de obrero ha sido respaldado, en literatura por ejemplo. La literatura estas últimas décadas ha favorecido fuertemente a la clase privilegiada. Y los medios nos atosigan con premiaciones a favorecidos, en las distintas disciplinas.
Es cierto. Era más fácil ser izquierdista en el siglo XX, con una fuerte presencia intelectual, y con la Unión Soviética, políticamente. Tener un respaldo. La gente cobra más fuerza cuando hay un bloque.
He pensado luego en algo parecido a las “liebres” del atletismo. Los que marcan el ritmo, lo hacen más accesible. Tal vez necesitamos liebres, y ser liebres.

Sobre naturaleza
En Hegel la naturaleza es exterioridad, mientras que el espíritu es la superación de esa condición, una toma de conciencia. La naturaleza es ciega, inconsciente, fragmentada. Las plantas, en Hegel, incluso sin esta conciencia, modifican y remodelan su entorno, manteniéndose mediante una interacción activa con éste, adaptando el suelo a sus necesidades. La selección natural así no es un mecanismo puramente negativo, sino de relaciones, que ofrece espacio para la creatividad, la flexibilidad y la plasticidad.

He pensado en esta última idea, que es crucial, y que marca los últimos años que vivimos. En otra visión, para Marx, la naturaleza es un ente dinámico, inseparable de la actividad humana, escenario de transformación. En sus “Manuscritos económico-filosóficos”, de 1844, sostiene que “la naturaleza es el cuerpo inorgánico del hombre”, señalando una dependencia, un intercambio vital para sobrevivir. Y, por otra, es un espacio de praxis: al interactuar, la humaniza y se produce a sí mismo como ser social, consciente. Es interesante su noción de selección natural, y su referencia a Darwin, que no rechaza pero considera incompleto. Un link con el tema, abajo:
https://es.wikipedia.org/wiki/Teoría_de_la_naturaleza_humana_(Karl_Marx)
Para Husserl, la naturaleza es un ámbito de la realidad constituido y dotado de sentido por la conciencia. La voluntad en este marco está ligada a la intencionalidad: es el dinamismo o esfuerzo activo de la conciencia (kinestesia) hacia los objetos y el mundo. Así una "voluntad apasionada" por el conocimiento riguroso, procura llegar a la esencia pura de los fenómenos, superando la actitud dogmática.

Arriba: ejemplos de ilustración botánica, como arte y medio de análisis. Desde antes de la fotografía, existen exponentes destacados, como Georg Dionysius Ehret (primer dibujo). Entre ilustradores contemporáneos, puede mencionarse a Macoto Murayama (segundo dibujo), quien ilustra de forma digital, semejando un plano de ingeniería, como forma de expresión atrayente e innovadora.

Más que ilustración “botánica” pienso luego que a un arquitecto le llama la atención la abstracción necesaria para dar a entender “arbusto, árbol”, en sus planos. Cómo hacerlo rápido, claro, y estético. Y, muy interesante, emparentarlo con su proyecto. Asimilar la representación, de lo cual hay muy buenos ejemplos. Tal vez toque este tema en un próximo texto. Por mientras, pruebo tipos de gráficas de vegetación a mano alzada, para aplicarlas en mis ilustraciones, tratando de aprender de formas orgánicas y claroscuros (arriba).

Naturaleza y voluntad: conclusiones
En medio de mis proyectos, y actividades como oficina, comencé a escribir este posteo sobre naturaleza en trozos de papel, espontáneamente, todavía sin definir si en nuestro cerebro significa “árbol, vegetación, lago” o significa “carácter”. Ir a la palabra, a lo primero, por eso la relacionaba a otras, como nacer. Y nacer se refiere a nuestros motivos, a nuestras iniciativas. Por otra parte, la relación del ser humano con la naturaleza, en arquitectura es fundamental, un tema presente a menudo.
Se desprende concebir luego la arquitectura como la manifestación tangible de un pensamiento. Que parte de las ideas se encarnan y potencian lo material. Y uno está refiriendo términos en forma espontánea, refleja, sin pensar mayormente en ellos, por eso tal vez es bueno volver y dar una vista, para que la voluntad tenga algo de ese conocimiento.
Mi idea es que nos encontramos ante una falsa selección natural, y un ánimo desesperado del poder por valorar y descartar en torno a ciertos parámetros, impuestos. Darwinismo sometido a ideología de ultra derecha. Así, bajo el sistema actual puede ser natural que las tribus indígenas de Brasil se vayan extinguiendo, siendo que para un ser humano debiera ser intrínsecamente aberrante. Una manipulación de lo que resulta natural.

Verde, azul y tierra: ejemplos de simbiosis
Al procurar ilustrar proyectos, he estado aplicando verde sobre verde, con capas de verdes distintos, en las plantas: plantas más oscuras, plantas más claras. Múltiples verdes, como mencionaba en el posteo anterior. Lo que tal vez me lleve a un posteo sobre ilustración vegetal, en una próxima oportunidad, y que anoto como al debe: dibujo de árboles, hojas, bosques.

En la ilustración (arriba): Sala de Orquesta de Bahía, en Neojiba, Brasil (2023), de Leopold Banchini Architects, que procura mezclar elementos del brutalismo en armonía por contraste con el entorno, en el partido de un santuario musical, flotando sobre el suelo del bosque.
https://casacor.abril.com.br/es-ES/noticias/arquitetura/sala-orquestra-bahia-flutua-mata-atlantica
https://www.designboom.com/architecture/leopold-banchini-neojiba-rehearsal-hall-salvador-bahia-brazil-05-13-2025/

Esa es la idea detrás del volumen único propuesto, cuyo programa es ser la sala de ensayo de la Orquesta Juvenil de Bahía (Neojiba), en el corazón verde de Salvador: un bosque tropical del "Parque do Queimado".

Arriba: en lugar de descansar directo en el suelo, la estructura se eleva sobre soportes, permitiendo la circulación de aire y luz, y también ofreciendo vistas del paisaje tropical, durante los ensayos. Desde la distancia, por otro lado, el techo aparece como extensión del bosque mismo, reforzando el papel del edificio no como monumento, sino como parte de un sistema ecológico más amplio.

El diálogo con el entorno, por otro lado, también puede producirse por mimetismo. Entre proyectos recientes, “Thingvallavatn House”, de Krads Arquitectos, es una vivienda camuflada, Islandia (2020). Los cimientos de hormigón se encuentran en planos escalonados que siguen el movimiento del paisaje (croquis propio, arriba). De manera similar, la superficie del techo (con cubierta de hierba y musgo), se inclina por una parte hacia la colina y por otra parte va en línea con ella, como indica el corte inferior. Por contraste o mimetismo, así puede haber simbiosis o reciprocidad entre arquitectura y naturaleza, como estos últimos dos ejemplos, que he procurado dibujar como ejercicio en medio de mis ocupaciones.
https://mymodernmet.com/es/krads-thingvallavatn-house/
https://www.archdaily.cl/cl/959256/casa-de-vacaciones-en-thingvallavatn-krads?ad_medium=gallery

Pensado inicialmente como biografía de Niemeyer, terminé centrando el enfoque de este artículo en el tema de la naturalidad, tal vez por pensamientos coyunturales. Viendo noticias, leyendo artículos. Tal vez por el tiempo que vivimos. Tal vez porque estamos en medio de una oleada de derecha extrema, que es la antítesis de la naturalidad.
Pero también con una oposición local que es criticable, que permanentemente busca algo que “se parezca a ellos, se parezca a la derecha”. ¿Una especie de visado?.
Lo bueno sería no responder con lo mismo, con algo “bonito”, de utilería, o afectado, sino responder con la naturaleza de nuestras ideas.

Ernst Haeckel (1834-1919), ilustración de especies vegetales.

Procuraré volver en el próximo posteo al desarrollo de mis proyectos. Como ejercicio de voluntad, desde la idea fuerza a su estado actual de construcción. Trataré de recapitular, y organizar, a través de secuencias de gráfica, dibujo y fotografía. Desde los ejercicios más teóricos a lo más constructivo. Brazos arremangados. Seguir avanzando.

RAL, RGB, CMYK: Del catálogo al elemento único

Hay sets de lápices de colores que tienen dos verdes, y otros que tienen varios. Varios verdes. Un set profesional puede tener entre 60 y 120 unidades, con varios rojos, varios azules, varios verdes. Para no comprarlo completo hay lugares donde uno puede comprar el lápiz verde que le gusta, sin tener que adquirir toda la gama. Arriba: caja de 72 unidades.
Neufert, la Bauhaus, fueron un intento de normalización arquitectónica, que va desde la concepción de estándares de pesos y medidas a la categorización de tipografías y colores. Los diagramas de Klee pueden ser un intento por asir esto último (abajo).

La computación, por otra parte, ha difundido bastante estos listados. Están asequibles, de modo que una persona puede elegir un color de catálogo solo abriendo un link. Y conocer las múltiples variantes de un color, en forma expedita.

Estos catálogos o libros de colores hacen pensar hasta qué punto el color es completamente libre, y lo normalizamos con porcentajes de tonos. Principalmente es para referirlo, no olvidarlo, volverlo a utilizar. RAL 1026 refiere un solo amarillo brillante. RAL 6028 un solo verde pino.
¿Por qué se llaman así? RAL es uno de los sistemas más conocidos para referir color actualmente. Los otros son RGB, CMYK, y Pantone. En realidad, los sistemas suelen ser elegidos por el uso específico.
De esta forma, RAL es un estándar físico para pinturas y recubrimientos, vale decir tiene un uso industrial/físico, mientras que RGB es un modelo digital, basado en luz, para pantallas y dispositivos electrónicos. Así RAL garantiza exactitud en materiales concretos, mientras que RGB, entrega una aproximación, variable, en pantallas.
CMYK, por otra parte, se suele usar en impresión, y Pantone es para precisión o calibración, siendo más utilizado en marcas y diseño gráfico.
https://snowball.digital/blog/color-systems-cmyk-pantone-rgb-and-ral-explained

Arriba: RAL 1026, amarillo brillante.

Al ser más material y físico, RAL es más aplicado en arquitectura y construcción: tanto en interiores como exteriores, sus colores se aplican en muros, marcos de puertas y ventanas, revestimientos, y elementos estructurales.
RAL es una codificación de 4 dígitos, definida por el Deutsches Institut für Gütesicherung und Kennzeichnung (Instituto Alemán de Garantía de Calidad y Etiquetado), en 1927. Su sigla, RAL, viene de "Reichsausschuß für Lieferbedingungen und Gütesicherung", que se traduce como "Comité Estatal para plazos de entrega y garantía de calidad". Así, con ese nombre tan metodológico, y algo vacío, para el contexto actual. Inicialmente, su catálogo se conformaba de 40 colores, mientras que hoy cuenta con 213.
https://es.wikipedia.org/wiki/RAL
Abajo: colores RAL disponibles para revestimientos, en un catálogo de Durafront.

Sin embargo, la mayoría de las personas lo que entienden es el “verde oscuro” y el “verde claro”. Basta con eso, como mnemogenia. Discutir entre verde olivo y verde musgo, o entre verde bosque y verde noche podría ser “rizar el rizo”. Pero elegir entre verde y azul puede significar pasar de un estado a otro, cruzar un límite.
Es como cuando hablaba de la tosquedad. La gente entiende el ícono.

Si un niño pinta la bandera del país toma cualquier rojo, y la gente lo entiende. No importa que sea mandarín, o escarlata.
Si la pintara demasiado corrida al naranja podría producirse confusión. Lo mismo corrida al azul. Hay un límite ahí, que no es subjetivo. Tal vez tiene que ver con las fronteras, tal vez con pasarse a otro país. De hecho, la Bandera de Yara (abajo), de Cuba, es similar a la chilena, con otros colores.

Los colores también transmiten distintas funciones, usándose para señalizar. Y son parte de iconografías políticas. El color rojo, por ejemplo, suele transmitir revolución, movimiento y cambio político. Toma auge en el siglo XX, con el rojo de la bandera soviética. Posteriormente, la bandera del nazismo intenta sustraer este color, emularlo, pero ni siquiera el rojo es el mismo. Es un rojo más azulado, mientras la del comunismo es un rojo más dorado, más cercano al naranja.
Nazismo: Rojo sangre / carmesí (base fría/azulada).
Comunismo Soviético: Rojo escarlata / bermellón (base cálida/amarillenta).

Arriba: hay banderas, como las de Países Bajos y Luxemburgo, que se diferencian solo por tonos. Igualmente la de Italia e Irlanda. Esta leve diferencia evidencia así un tema de fondo: hay un límite donde las cosas empiezan a significar otra cosa.

Arriba: revestimiento en colores de placas de fibrocemento Durafront, en estudio de modulación para jardín infantil, tomados de su catálogo disponible: RAL 1021, RAL 2008, RAL 1016, RAL 1013. La idea es que se recuerden, como impresión en las personas, tonos naranjas y amarillos, en contraste de peso.

El detalle “único”, y el detalle “estandarizado” (comercial) en proyectos de arquitectura
El detalle comercial puede traer obras similares. Pero no hay nada malo en la estandarización, porque con un mismo lego una persona puede hacer un tren, y otra un edificio.
El revisor de cálculo a veces dice: “señale un perfil comercial”, y hay que ir al elemento conocido, a la convención, referir lo que existe.
Hay obras, sin embargo, donde se han creado elementos particulares, detalles diseñados específicamente para ellas.

Arriba: perfiles Doble T, reconocibles, en fachada de oficinas Bacardí, Mies van der Rohe (México)

Mies van der Rohe y el perfil Doble T
Las oficinas de Bacardí en México, Tultitlán (1961), son el único proyecto de Mies van der Rohe en Latinoamérica, y destacan por el uso de perfiles metálicos en "I" (o doble T), su sello recurrente, para resolver tanto estructura como fachada. Un elemento común y simple, utilizado con limpieza.
Como estructura principal, las columnas exteriores e interiores son perfiles doble T, en una modulación cuadrada, con apoyos cada 9 metros, permitiendo una planta libre y flexible.
Como fachada, generando una subestructura, emplea perfiles similares, de menor dimensión. Estos, dividen cada módulo en cinco espacios, reforzando verticalidad y ritmo.
Como terminaciones, finalmente, siguiendo el estilo minimalista, toda la herrería y estructura metálica se pinta negra, lo que contrasta con el mármol travertino de pisos y escaleras.

La complejidad y el elemento específico
De una obra original, como la anterior, creada con elementos reconocibles, y convencionalismos, a una obra original única, con detalles especiales, se puede mencionar un proyecto reciente, de 2021: los domos del Jardín Botánico de Taiyuan (China), por la firma austriaca DMA Architects (Delugan Meissl Associated Architects). Arriba: imagen de su emplazamiento.
https://www.archdaily.com/962872/taiyuan-botanical-garden-delugan-meissl-associated-architects
https://maderayconstruccion.com/jardin-botanico-de-taiyuan-control-y-orden-de-la-madera/

Ciertos proyectos requieren estructuras no convencionales, y utilizan, por ejemplo, sistemas que permiten superficies curvas o formas orgánicas, que no podrían sostenerse con columnas y pórticos perpendiculares, recurriendo a la eficiencia de su forma y al uso de elementos conectores. Uno de estos sistemas son los domos: redes que distribuyen las tensiones de manera uniforme en una semiesfera.

En estos diseños, se emplean nodos y conectores, que son piezas de fundición, o acero mecanizado, que permiten la unión de múltiples elementos en ángulos variados, típicos en mallas espaciales. Abajo: varilla especial para los domos, que va variando según su ubicación.

El jardín botánico consta de tres estructuras de invernadero, que actúan como retículas formadas por dos capas de vigas de madera, en dirección longitudinal, y una capa transversal, arriostrada con cables pretensados. En una combinación única de utilidad y estética, la varilla central de fundición (arriba) funciona como mecanismo de pretensado: al apretar cada una de las varillas roscadas, se incorpora tensión en toda la red de cables. Las piezas se conectan a la madera laminada en una base con cuatro patas, donde se enrosca la pieza por donde pasan los cables. Todo el conjunto se monta mediante tornillos a una placa base, en cada pata. Los ensambles están hechos de acero inoxidable cepillado, fabricados en China.
Debido a estos componentes únicos, el apoyo digital en el proyecto fue crucial. La geometría y detalles se elaboraron de forma paramétrica en Grasshopper y Rhino y, para mejorar el rendimiento estructural, se usó la optimización Nelder-Mead.

Conclusiones: estándar y creación
Dividido así en dos partes el presente artículo. En primer lugar, la búsqueda de referencia del color, por un lado con sutilezas, y por otro con límites (donde el significado cambia) y, segundo, el elemento convencional, y el elemento único, para resolver la estructura de un proyecto. Ambas partes refieren un tema subyacente: la estandarización. Normalizar, para asir.
Al respecto, “Arte de Proyectar en Arquitectura” es un libro icónico, del arquitecto Ernst Neufert. Un paradigma de parámetros y medidas para corresponder los objetos circundantes al cuerpo humano, en distintas actividades. Orientaciones, para sacar máximo rendimiento a los espacios. Sin embargo, pueden darse excepciones: proporciones diferentes a los estándares, que cobran otros sentidos. Un elemento de arquitectura podría tener otra proporción, de acuerdo al carácter o contexto que se requiera. Una aparente desmedida, útil a otro propósito.

Más que máximas, estas medidas así pueden entenderse como instrumento complementario. Más que fundamento y obra por si solo, tomarse como manual, de consulta frecuente. Una herramienta accesible a las personas, de cualquier condición. Es un impulso de recopilación, está claro.
Un esqueleto, finalmente, al que una mano más creativa debe darle hálito. Arriba: diagrama de uniones de perfiles estandarizados, convención que también puede generar creación, obras únicas. En último término, producir algo nuevo con lo conocido.

Arriba: croquis propio, del proyecto anterior, uno de los últimos que he trabajado. Abordando temas educativos, donde los usuarios principales son párvulos (escala pequeña), ha nacido en la actualización dividir más el módulo, y utilizar tonos más vivos y alegres. Incorporar modulación y color, combinando tonos que parezcan armónicos entre sí.
Al procurar dibujar mis proyectos, me he dado cuenta de que con respecto al color la pintura suele fundir, mientras que la arquitectura separar. Las gradaciones de colores en la segunda son más bien raras, a no ser que sea un trabajo de mural. En acuarela se agradece que un color no sea homogéneo, y se oscurezca o aclare de un extremo a otro del papel. El color en arquitectura en cambio es una especificación técnica: solicita un color uniforme. Y toda posible combinación es a través de tonos homogéneos, separados entre sí. De la libertad de la deriva, hasta la identificación y su uso como cita. De la fusión al límite.
Un último comentario, es que la gente tal vez tiene un recuerdo más colorido o multicolor del “Guernica”, de Picasso, siendo que es una obra de tonos grises, y grises azulados. Su propósito es que semejara una foto de diario: que fuera como una noticia. Pero como circulan muchas versiones más coloridas la gente lo recuerda así. Hace pensar que lo que más queda al final es su significado, que es lo que se quiere, y como vehículo la marca del peso, del contraste. El dibujo en claroscuro. Y los tonos varían.
Buscaré articular en próximos posteos el tema más hacia el sentido social, recordando una de las aspiraciones de la Bauhaus. El estándar, acceder a la pieza simple, suele ser la solución de la persona popular, de escasos recursos. Pero la creatividad tiene mucho más alcance. Hay una veta temática ahí.