Vladimir Brontis

Saturday, April 15, 2017

Fachada y distancia


La puerta en las iglesias, desde el período románico, tiene un importante papel. El concepto de prohibición y defensa resulta claro en retranqueos, y molduras decoradas. La detención paulatina, que también tiene que ver con una forma novedosa de aprovechar espacios intermedios, entre interior y exterior, protege un interior que se considera de recogimiento, o sagrado.
Se trata de precaver la asechanza del mal, representado en el demonio, a través del sucesivo despliegue y sus elementos, sus símbolos.
https://blade_runner.blogia.com/2005/092002-la-portada.php
Léxico de los símbolos, Olivier Beigbeder.


http://oculimundienclase.blogspot.cl/2010/09/partes-de-una-portada-romanica.html
El retranqueo así va “deteniendo” la entrada del demonio, en la concepción románica de las puertas a las iglesias.
La cita a esta solución, con la que voy introduciendo este post, viene del recuerdo del traspaso afortunado de interior a exterior, llevando al tema de las fachadas permeables, de la “amortiguación” del exterior.


Con este tema subyacente, el traspaso, lo permeable, es que abordo las etapas del último prototipo que he concebido, y que he estado presentando en los últimos artículos.
La fachada tiene una distancia o rango para apreciarse bien, y muchos arquitectos a través de la historia han trabajado este punto. Pueden aparecer incluso elementos en la escala de “fachada”, que se difuminan o no se aprecian tan bien en la escala de “cercanía”. La fachada así es una “presentación”, que sugiere aspectos del interior. Pero no necesariamente se percibe igual a las distintas distancias de ella.
El retranqueo de las letras, en el caso de mi prototipo, así sería perceptible en la escala cercana, donde importa la forma, mientras a la escala de la fachada importa el mensaje.
… “Cruzando un umbral que el viento erosiona”


El sinfín o lo infinito en arquitectura
http://www.infinitodevenir.com.ar/lo_inf.html
La arquitectura puede volverse infinita a través de patrones repetidos, duplicando, y al cambiar la escala de lo duplicado aparecen los fractales.
Recursos de iteración, matemáticos. Si bien el infinito no existe (al menos en lo palpable), y lo que se construye es la percepción, es claro que se evoca la amplitud, lo interminable.
Una fachada también puede comunicar sensación de profundidad, a través de transparencias, o aperturas. Comunicar la distancia existente tras su plano de límite.


Patrones de generación del Pabellón Serpentine Gallery 2002 (arriba), de Toyo Ito: el algoritmo de un cubo que se expande mientras rota, generando triángulos y trapezoides, con una permeabilidad que otorga una percepción de movimiento repetido infinitamente. Atmósfera, luz y sombra se resuelven en un mismo elemento, en una continuidad.

Entrever
Pienso distintos conceptos de horadación y apertura, y repaso referentes modernos, que aborden esta idea en forma variada.


La letra como el ojo de la llave:
Las dos fotos arriba corresponden al pabellón para la exposición National style, Prague (2013), de los autores A1 Architects, que presenta obras de arte.
La instalación incorpora colores, y textos, donde algunas letras se conciben como vanos, a través de los cuales los asistentes descubren las obras, mirando por las perforaciones de algunas de éstas, como una cerradura, o puerta entreabierta.
http://www.a1architects.cz/en/works/national-style


“Havel Elementary School”, en Berlin, Alemania (2009), de Augustin und Frank Architekten (arriba, alzado abajo), es interesante por la dinámica y peculiaridad de los vanos, y su eficiencia energética. La ventana se presenta como un fragmento extraído.


El proyecto es básicamente la ampliación de una escuela primaria, incorporando aulas, sala multiuso, comedor, cocina. Se destaca en la intervención el contraste de fachadas, en distinto grado de apertura, y el original lenguaje de horadación, irregular.
http://www.baunetz.de/meldungen/Meldungen-Schulerweiterung_von_Augustin_Frank_in_Berlin_905417.html


El arquitecto japonés Toyo Ito, visto anteriormente, realiza entre 2002 y 2004 el edificio TOD, en Tokio, donde busca que la fachada funcione como su propio soporte estructural, inspirándose para aquello en los árboles, al ser "objetos naturales que se soportan por sí mismos". Siguiendo estas ideas, es que diseña el pabellón Serpentine Gallery, de Londres, el cual incorpora aquellos complejos patrones con aspecto azaroso, pero que se derivan del cubo que se expande y gira: una generación matemática.
"Los numerosos triángulos y trapecios formados por este sistema de líneas que se interceptan en la fachada están planeadas para ser transparentes o traslúcidas, dando la sensación de movimiento repetido de forma infinita", señala la descripción del proyecto.
http://noticias.arq.com.mx/Detalles/14805.html#.WOpnkYg1_IU


Recordé entonces las estrofas de mi instalación en MDF (arriba), y vi las letras Stencil de otra posible manera: como objeto formal, no solo como mensaje. Qué pasaría luego si el número 1 fuera un vano, quebrado, una grieta tras la cual se vieran letras pintadas, o volumétricas. Luego la posible variabilidad de planos podría ser una veta, que enriquecería las “estrofas tridimensionales”. Plantear la grieta, la erosión. Ver a través.

Lambe lambe: la caja escénica
En torno a la escala del detalle, de la cercanía inmediata, y a la perspectiva y sensación de profundidad, resulta atractivo el teatro Lambe Lambe, originario de Brasil, como espectáculo dentro de una caja con pequeños muñecos y objetos animados. Es bonita la idea de la caja escénica: descubrir un mundo en miniatura. “Asomarse” a un mensaje, a una historia. Ver qué puede haber en un interior. Mirar a través de una rendija.


La caja, neutra, introduce en el interior a nuevas distancias, cambiando la escala de percepción de forma radical, pero siendo todavía reconocible. El traspaso en este caso es un límite, enteramente un contraste. Habría que pensar así como los teatros grandes, con asientos: también se concentran en un escenario. Luego las salas de teatro no tienen ventanas porque el escenario es su ventana.


Letras y planos
“Cruzando un umbral que el viento erosiona”
La erosión predominante en todo el prototipo construido, en este verso enfatizaría la palabra umbral. ¿Qué pasaría si uno pudiera caminar los capítulos de una novela? Sería cálida la arquitectura, luego fría, o al final misteriosa, si estuviera siguiendo los “capítulos”, cada uno en su carácter.


Ir girando levemente la apertura, como una especie de diafragma, y disponer las letras en la profundidad, es la generación que se me ocurre para la palabra “umbral”. Y luego su subsistencia al separar las piezas, aún perdiendo o alejando las letras.

Asomarse al escenario diminuto, ¡ansiedad teatral!



BR... UMAL... unión y separación de piezas
Lo que se trataba “Linterna de Papel” (instalación y homenaje a Andrés Sabella, que realicé hace un tiempo) es que en la oscuridad la gente descubría y leía poesías, del autor: a contraluz y trasluz, en el soporte de un objeto modernista, que en mi opinión podría ser del gusto del poeta, dada su biografía. Leer descubriendo, lo que también se explora en el actual prototipo. Ir de la forma en sí misma, arquitecturizada, al mensaje.
La última idea que se me ha ocurrido, y con la que trabajaré: ¡pocas letras volumétricas! Que no todo sea igual, establecer un contraste con las pintadas…
Pienso que en el próximo artículo presentaré el cuarto verso, que rematará el cuarteto. Y así se podrá vislumbrar el total.


Distancia entre piezas: cercanía y separación (abajo)



Monday, March 13, 2017

Expresiones miméticas


En arquitectura, al plantearse frente a un contexto, puede aparecer mímesis o contraste. Es común buscar fundirse con lo existente: tomar aspectos como tamaño, color, forma. Este primer partido, el mimetismo, es el más natural, la imitación. Al abordarse la estética, en Platón, aparece el tema de si mímesis significa imitación o representación. Así es de suma importancia el comprender que la “imitación” en poética (creatividad) no es un “préstamo” o “copia” de elementos de la naturaleza sino una interpretación de ésta, implicando aspectos valóricos, inherentes de quien interpreta.

Mimetismo en arquitectura
Casa Lago Pirihueico, Alejandro Aravena (2003)
http://simbiosisgroup.net/1456/casa-lago-pirihueico-alejandro-aravena-chile


En este proyecto, de Alejandro Aravena, el cliente solicita al arquitecto una casa “color sombra”, vale decir se tiene desde el principio una fuerte imagen de adecuación al lugar.
Un terreno volcánico, 4000 mm de precipitaciones anuales, fuerte radiación UV, vientos desde el norte y el oriente. En este contexto, es interesante cómo la firma describe el proyecto: “Las piedras salieron de canteras cercanas, y las maderas, del despeje de bosque que hubo que hacer para construir. La oscuridad del objeto será la manera de restituir parte de la densidad y virginidad original del lugar”. Se desprenden así conceptos de adecuación, mimetismo, contextualismo. Prácticamente una fusión.


Contraste
Otros proyectos, en cambio, acentúan fuertemente la singularidad, la diferencia: una forma saliente, un color que destaca, un tamaño distinto. El modernismo, predominante en el siglo XX, es fuertemente contrastante con los contextos, al buscar lo minimalista y geométrico.


Casa roja. Jarmund/Vigsnaes Arquitectos (2002)
http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-80704/casa-roja-jva

La Casa Roja, de Jarmund/Visgnaes Arquitectos, se encuentra ubicada en las afueras de Oslo, Noruega, y cuenta con 175m2. El terreno es un antiguo jardín boscoso a orillas de un río, y el nuevo edificio se emplaza en forma perpendicular a este río, para dramatizar su diseño y no tapar la visión a la casa ubicada atrás.


El uso de color rojo, sobre la fachada de madera, contrasta fuertemente con el entorno de nieve, conforme a la solicitud del cliente. El mimetismo, que puede existir en la adaptación a las cotas, las vistas, y el recorrido, se interrumpe en forma abrupta con el contraste de color.

Fachadas tipográficas: el acento
Continúo desde las semanas pasadas con el desarrollo del proyecto de poesía plástica: desde un comienzo nace con “fachadas tipográficas”, que semejan balcones y logias y, en una asociación natural, erosión.
Me concentro en el segundo verso. La continuación de mi poesía: el anterior verso se hundía, éste casi desaparece… en vez de horadar se funde con los volúmenes.
“A veces oculto como sueño invernal…”

De la lectura de Umberto Eco, “Cómo se hace una tesis”, y otras, acerca de la interpretación, busco incorporarme en el tema de “qué es lo que se dice y qué es lo que quiere decir”. El lenguaje humano está marcado por la interpretación: acentúa algo y se transformará en el centro del discurso, incluso en forma involuntaria. Atenúa y pasará a segundo plano.


Al hacer que una poesía sea plástica, tridimensional, podría ser interesante acentuar características de ésta, como se hace en un texto: cuando Cortázar parece divagar, o cuando en cambio es revelador, por ejemplo. Parece estar midiendo: atenuar o recalcar. Esta forma peculiar así va a ser una poesía, y a la gente le va a llegar solo una pieza, va a llegar solo por una palabra, que le llamó la atención, y entonces qué… eso es lo que me pregunto. “Como sueño qué” (en este caso), y en teoría se debiera quedar intrigado.
Los primeros y segundos planos, de los que la gente habla en forma conceptual, en estos casos serían literales.


“Como sueño”... en teoría debía ser para penetrar en una poesía misteriosa


Como sueño / Stencilia A
“A veces oculto como sueño invernal…” correspondería a un segundo verso, y se procuraría teñir este plano con esa evocación. No sé si podría tener más “marcas físicas”, pero la idea desde el principio es que la poesía “se mueva”, y pasar pronto a la mayor escala.



Cuando era niño mi madre tenía un disco de Serrat que se llamaba “Miguel Hernández”. Me llamaba la atención que era negro, y las letras solo podían leerse al trasluz. Eso siempre lo recuerdo: una gráfica críptica, y fotos en blanco y negro.

Materialidad
“Mientras el verano se hunde en los árboles / A veces oculto como sueño invernal…”
En el próximo artículo me ocuparé del verso siguiente, ojalá marcado por otro concepto de movimiento, interesado de que el cuerpo en total sea un muestrario de posibilidades, con algo del estado mental de la poesía. Procuraré pensar en una materialidad, tamaño, y estructura, e incluso una idea de posible lugar, de modo que ya sea un proyecto plástico. Estaré en aquello, junto a otras propuestas.


(en teoría debía ser para penetrar en una poesía misteriosa)

Monday, December 12, 2016

Concavidades y expresión


La superficie del granito a veces tiene una expresión esculpida por agentes naturales, produciendo formas que evocan grandes fuerzas.


Y no comprendemos estas fuerzas, pero son lo que nos da vida. Solo procuramos “asirlas” y explicarlas a través de la física, de la matemática, a través de la noción que tenemos de abstraer lo que nos parece idealmente optimizado o perfeccionado. Y esas son las formas puras de la geometría, que no existen en la realidad. Algo que nos parece circundar intuitivamente lo abstraemos de tal forma que todos los puntos que lo conformen equidisten del centro. Y decimos que es un círculo. Pero luego lo “comprobamos”: vemos que fuerzas lo mantienen así. Luego debe ser cierto: la física parece sustentarse en la precisión matemática. Así se mantiene la cadena. Pero el origen de las fuerzas es desconocido, casi religioso.

Los poemas diagramáticos y el poema tridimensional
He estado trabajando el poema para que la forma se mueva con él.
Se dice así que las figuras geométricas tienen una función, que en el fondo es una escritura de la forma. Si el poema expresa movimiento, análogo a esta correspondencia de forma geométrica con función, de alguna manera la materia (como si fuera un bloque de jabón) se movería con él.

El “poema esquemático” para una forma que se mueva
El profesor Keating (“La Sociedad de los Poetas Muertos”) hace arrancar las hojas de un texto donde se aplica un gráfico cartesiano en poesía. Si somos fieles a su legado lo podríamos contradecir: aplicar un cartesianismo para que nos haga mover. Y el poema va a ser un mapa de coordenadas. La provocación sería al revés.
Las fuerzas de la naturaleza parecen independientes a nosotros, nosotros le damos un sentido, pero es un sentido para nosotros. Vale decir, proyectamos nuestro sentido en las fuerzas. Las “moralizamos” en este sentido, en el buen sentido de la palabra. Si fuera por la física, abstrayendo nuestras creencias, estaríamos solos.
El dialecto del mar, los lenguajes de la naturaleza, las partes de la Tierra hablan, en su propia expresión. El poeta Juan Luis Martínez hablaba de “pajarístico”, una lengua más cristalina que el español.
Pensar entonces en términos poéticos podría ser una forma correcta de “moralizar”, de dar sentido a una erosión o transformación natural.

Fragmento y Completitud
Al ser fragmentos la distinta disposición de los prototipos va a hacer más o menos inteligible el mensaje, pudiendo también trabajarse el momento de entender el sentido. Y las tres piezas van a prever su unión, con muescas e intersecciones ya preparadas.

Siempre falta
Nada es completo
Solo el amor es completo

Erosionado por las palabras
Lo que se procura así es que el prototipo se vea erosionado por las palabras, viendo el lenguaje como símbolo de movimiento.


Cavidades: algunas palabras traspasan las capas, se encuentran a distinta profundidad, se superponen, camuflan, quiebran o se hunden. El próximo paso debiera ser pensar desde los colores.




Monday, November 28, 2016

La representación del acanto


La representación del acanto es la primera imagen figurativa en la abstracción de los órdenes. Alude directamente a algo existente, no a una proporción o idea. Es un tipo de planta, con taxonomía, no un invento.
El follaje por su parte, viendo desde el lado opuesto, podría ser considerado un complejo y no calculado diseño de sobre relieve o sombra.
¿Quién podría calcular los complejos haces que traspasan un follaje? Un ordenador, posiblemente. Pero lo claro es que la naturaleza marca este intermedio con riqueza, y con cualidades que son difíciles de reproducir artificialmente, con cualquier tipo de celosía, fachada permeable, moldura, cubierta, marquesina, palillaje, etc. Un follaje es simplemente la mejor sombrilla natural.


El acanto, en la cultura grecorromana, trae la imagen de triunfo, de superación de pruebas, símbolo inspirado por las espinas de la planta, y su dinámico crecimiento. Las hojas dispuestas en el capitel corintio así pueden estar originadas en el mito de un acanto creciendo en la tumba de un héroe.


Protegerse del clima, del excesivo frío, o calor, lleva a la necesidad de profundidad, de marcar un estado intermedio entre interior y exterior.
El agrado natural de caminar bajo follajes, gratuito, es la primera referencia que nos rodea. La arquitectura busca cumplir esta cualidad con toda clase de molduras, salientes y aberturas. Y estos recursos se han buscado utilizar desde antiguo: la sombra en los muros.


Arriba: relieves en Egipto, Mesopotamia y en el mundo grecorromano. Tallando, horadando, o incorporando grosor, aparece la sombra y su simbolismo.


Imagen de portal cristiano (arriba). Figuras humanas y tridimensionalidad.

Roberto Matta y Le Corbusier
El pintor tiene la capacidad notable de trabajar con un plano para comunicar, mientras el arquitecto debe recurrir a varios.
Es interesante el contrapunto entre Roberto Matta y Le Corbusier, ambos pintores y ambos arquitectos, pero con la concentración principal opuesta: Roberto Matta es un pintor, y Le Corbusier un arquitecto. Ambos tienen conocimiento del otro mundo, pero el enfoque de su carrera es principalmente uno. Son notables los mundos de Matta dispuestos en un solo plano, por ejemplo, pero queda la curiosidad de que pasaría si parte de lo que hace en pintura se volcara en arquitectura.
Interesante artículo sobre Roberto Matta, como arquitecto:
http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-118424/roberto-matta-arquitecto-11-11-11


En el caso de Le Corbusier su aporte principal es la arquitectura, mientras su pintura, cubista, es más bien grafismo, aún provista de vivos colores. Literalmente para Le Corbusier “La forma es preeminente, el color no es más que uno de sus accesorios”. El color aparece intelectualizado. Su pintura a la vez está directamente vinculada a su obra arquitectónica.
En ambos casos, sin embargo, aparece volcado con fuerza el tema de la tridimensionalidad, la forma, y los colores. La comprensión moderna de la geometría, conceptos de continuidad y de interior / exterior.


Muro cortina y celosías colgantes: el nuevo sobre relieve
Es interesante el partido de colgar estructuras livianas sobre estructuras portantes, que se da frecuentemente en la actualidad. Lo que llama la atención es el grado de libertad de estas estructuras livianas superpuestas, y la posibilidad de cerramiento total o parcial.


http://articulosdeestructura.blogspot.cl/2016/11/colgar-y-soportar.html


Hacer expresivas las tipografías
He estado llegando a pensar mi nuevo prototipo como si fuera pintura en profundidad. Procurar entender el soporte, tridimensional, como parte de un cuadro con distintas profundidades. Como los caligramas pintados.
Pensando en la tipografía, asimismo, utilizar el recurso de la expresión, fundiendo el significado de la palabra con su forma.


Esquema de expresión de las palabras en los módulos del prototipo: procurar que la expresión que sugiere la palabra se grafique.
Análogo a los edificios, podríamos pensar que las personas también llevamos cortinas, velos o trajes, que cuelgan, que no pertenecen a nuestra estructura. Y los trajes nos adaptan al clima, y también cumplen una función simbólica, incluso estética.
Colgaré entonces estos planos, de tal forma llegar a una lectura tanto continua, como segmentada, al separar las estrofas.
A continuación una nueva “estrofa”.